Festival San Sebastián 2025 – Críticas Sección Oficial

Del 22 al 27 de septiembre de 2025, desde 35 Milímetros asistimos a la 73ª edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, donde tuvimos la oportunidad de ver hasta 25 películas, varias de ellas entre las más destacadas del año. Durante las dos semanas posteriores, hemos estado escribiendo nuestras impresiones para poder compartirlas con vosotros.

Esta crónica se divide en dos partes: la presente, centrada en las películas de la Sección Oficial, y otra dedicada a las secciones paralelas.

• Rondallas (Fuera de concurso)

Ya el director Daniel Sanchez Arévalo había demostrado con sus película Gordos, Primos o Diecisiete que era un maestro a la hora de tratar comedias dramáticas, por lo que no sorprende que su nueva película Rondallas sea una demostración de todo aquello por lo que destacó su cine hace tantos años.

Rondallas cuenta la historia de un pequeño pueblo en donde dos años después del trágico naufragio de un barco pesquero que se llevó consigo a varios marineros, los habitantes del pueblo deciden que ya es hora de recuperar la ilusión y dejar el luto atrás. Por ello vuelven a unirse para poner en marcha la rondalla, una agrupación de música tradicional en la que participan desde niños hasta ancianos, con la intención de competir en un concurso contra los pueblos vecinos, pero sobre todo de empezar a mirar hacia delante de nuevo.

La propuesta de la película resulta muy simpática y agradable, consiguiendo atrapar desde los primeros minutos. Por supuesto, no se trata de una obra perfecta: tiene varios detalles que no terminan de convencer del todo y ciertos aspectos que podrían haberse trabajado mejor, además que la película no es muy original, en especial en su estilo y narrativamente hablando, haciendo que sea predecible y que en ningún momento te sorprenda. Sin embargo, en términos generales cumple con lo que promete: es una película pensada y realizada con el claro propósito de hacer pasar un buen rato al espectador. Y en ese sentido, lo logra con creces, sin pretensiones grandilocuentes ni la intención de ser más de lo que es.

Más allá de la comedia, que sin duda es el pilar central de la propuesta, la película también se atreve a explorar temas más serios y con un tono dramático. Al principio esta mezcla no me terminaba de cuajar bien, ya que parecía romper con la ligereza inicial. Aún así, conforme avanza la historia, uno termina encariñándose con los personajes y entendiendo mejor sus dilemas, lo que aporta un toque humano y emocional que enriquece la experiencia.

Los personajes, interpretados por un elenco encabezado por Javier Gutiérrez y María Vázquez, son sin lugar a dudas lo más destacado de toda la película. Desde el primer momento transmiten cercanía y naturalidad, lo que hace que resulte muy fácil conectar con ellos y con las situaciones que atraviesan. Como espectador, disfrutas verdaderamente de acompañarlos en su viaje, ver cómo evolucionan, cómo enfrentan sus dificultades y cómo, poco a poco logran sacar lo mejor de sí mismos para que todo vaya avanzando hacia un rumbo más positivo. Además, no hay que pasar por alto el papel de los personajes secundarios, que funcionan como un complemento perfecto dentro de la narración. Lejos de ser simples adornos, aportan frescura y una dosis de humor que eleva el tono general de la película. De hecho, varios de ellos resultan ser de lo más divertido del conjunto. Este equilibrio entre protagonistas sólidos y secundarios carismáticos hacen del elenco uno de los pilares fundamentales de la película.

En definitiva, podría definirse como una nueva feel good movie de manual: ligera, entretenida, con algunos momentos entrañables y capaz de dejarte con una sonrisa al salir. No es perfecta, pero cumple exactamente con lo que se propone.

Nota: 7/10

• Her heart beats in its cage 

Es curioso el rumbo que esta tomando China con su cine últimamente, enfocándoselas en unos dramas más sociales, intimistas y con una buena puesta en escena. La historia llama la atención, la historia real de una mujer quien tras salir de la cárcel después de diez años, intenta criar y reconectar con su hijo, y la actriz que la protagoniza es ella misma.

A diferencia del experimento fallido de Clint Eastwood en 15:17: Tren a Paris, aquí Xiaohong Zhao, se siente muy cómoda pero sobre todo muy identificada en su actuación a la hora de revivir momentos durísimos para ella, lo que le ha llevado a un merecidisimo premio a la mejor actriz protagonista en el festival junto a José Ramón Soroiz por Maspalomas y a parte la dirección de Xiayou Quin a parte de tener el ritmo adecuado y dramático para esta historia, la cuál fácilmente podría haber sido muy dramatizada, sabe utilizar los silencios y cuestiona desde la empatía eso sí, la moralidad de la protagonista respecto a su hijo, a pesar de sus buenas intenciones.

Ahora bien, sí que es cierto que la película aun así recae en bastantes recursos dramáticos ya visto en los dramas sociales, también a la hora de introducir los directos, no es horrible pero sí que hace estremecerse un poco en la silla, y respecto a su final, personalmente me gusta que lo dejen abierto y la idea que tiene el director es muy buena pero debido al montaje, se llega a sentir como que la película se interrumpe más que acaba en lo que podría a ver sido un final muy potente.

Aun así, la película es empática, sensiblera pero no cargante, sabe utilizar sabiamente los silencios y los planos largos, además de un caso fascinante de revivir momentos claves de tu vida a través del espejo intimo que es el cine.

Nota: 7/10

• Un fantasma en la batalla (Fuera de concurso)

El asunto de ETA es uno de los puntos más delicados de la historia d nuestro país, muchísimas películas se han hecho tratando la organización terrorista desde diferentes puntos de vista, y ahora Agustín Díaz Yanes vuelve a ponerse detrás de las cámaras después de 8 años tras Oro en colaboración con J.A. Bayona como productor y con un reparto estelar encabezado por Susana Abaitua, Raúl Arevalo, Ariadna Gil y más para contarnos su visión de una historia que podría ser una de las muchas agentes infiltradas e infiltrados en la organización etarra…ya asumiremos el elefante en la habitación.

Formalmente la película tiene unos valores de producción y formales impresionantes, Yanes demuestra una destreza en el ritmo que se puede ver en el increíble montaje cuyas transiciones son bellísimas, así como el uso del material documental a la hora de crear secuencias impactantes, un manejo del sonido escalofriante que te pone la piel de gallina y pegado al asiento, una elección musical excelente, en las cuáles destaco el uso de canciones italianas, que sí es más etílico que narrativo pero aparte de ser unas muy buenas canciones combinan bien con lo que se cuenta y todos estos recursos se explotan en un final lleno de tensión, emoción, montaje y una gran canción que es sin duda uno de mis momentos favoritos de todo el año.

Todo esto suena a película redonda, y formalmente lo es pero como bien dije al principio, hay un elefante en la habitación y ese es La infiltrada, la película de Arantxa Echevarría que arraso el año pasado y trata por no decir que cuenta lo mismo que la ganadora del ex-aqueo del Goya el año pasado.

Yo no acuso a Yanes ni Bayona de plagio, se ve que es una super-producción el caso de la película de Echevarría fue una sorpresa, y tiene poco más de un año. Ahora bien lo que importa es que valga como su propia obra y formalmente y en cuanto a entretenimiento sí lo es, pero ahora los problemas recaen en el guion, que no es terrible pero sus personajes y diálogos se llegan a sentir como estereotipos unidimensionales de películas policiacas.

Y esto pasa tanto con los policías como con los terroristas, y esto es algo que La infiltrada acertó y es que aunque es una película de misión, se enfoca más en la ansiedad del personaje y se le da humanidad a sus interacciones con ambos bandos, y aquí Yanes lo intenta con la amiga etarra pero se queda en la superficie y el romance con su marido, el cuál plantea una posibilidad interesante, es completamente desaprovechado, hasta el punto de ignorarlo completamente.

Díaz Yanes y equipo tuvieron pasión, fuerza, destreza y talento a la hora de crear este thriller con marca de la casa productora Bayona junto a Netflix, al cual hay que reconocerle su calidad en las producciones, podría haber sido fácilmente una de las películas españolas del año, estaba ahí, pero aparte de la coincidencia, resulta ser un thriller muy entretenido y bien hecho, pero típico.

Nota: 7/10

• Maldita suerte

Edward Berger lleva una buena doble racha tanto con critica como con público tras Sin novedad en el frente y sobre todo Conclave, recién estrenada el año pasada, y en esta última es muy notable el uso que hace con el color y las sombras, y por supuesto la cuidada dirección de fotografía, ahora Berger tras su visita al Vaticano, viaja a Hong Kong junto a Colin Farrell.

La nueva película sigue la misma estela estilística que en Conclave, la cuál es el uso de los colores para crear una atmósfera que se siente presente en toda la película y es característica, en ese sentido el uso del color y la dirección de fotografía es exquisita, y tampoco llega al punto de exagerar o sobrecargar la película.

Ahora bien narrativa y filosóficamente hablando no está al nivel de su anterior obra, la cuál tocaba la fe y la moralidad. En esta historia se tocan los excesos y los fantasmas que nos acompañan pero no se le da esa profundidad, ni tampoco creó que se busque, la historia es bastante palomitera pero lo suficientemente ‘característica’ que no original como para que no aburra, además del uso de los recursos que hace.

Claramente a la película se le pueden reprochar muchísimas cosas entre ellas está el romance forzado de Farrell con el personaje de Tilda Swinton, así de como un final que sobre explica un giro que si bien no es malo narrativamente, si resulta predecible y se alarga, pero el desarrollo de personaje sigue el arco del antihéroe y resulta satisfactorio en una película en la que Berger no tenía pretensiones artísticas, solo quería hacer una historia en la bellísima Hong Kong.

Nota: 6,5/10

• Nuremberg

James Vanderbilt, guionista de películas como las dos entregas de The Amazing Spiderman, Independence Day: Contraataque, Murder Mystrery o las dos últimas películas de Scream es probablemente la última persona que uno pensaría que escribir Zodiac y que escribiría y dirigiría un drama histórico de dos horas y media sobre el juicio a los nazis tras la Segunda Guerra Mundial.

La película se rige bastante por los estándares del género, tampoco es que sea malo, el tema es muy interesante y engancha a la vez que hace reflexionar sobre no repetir un error histórico, pero se suele compadecer frente a las propuestas de este genero que si llegan a arriesgar o tener identidad artística como La infancia de Iván, Ven y mira o la reciente La zona de interés.

Afortunadamente aunque Vanderbilt no llega a arriesgar, el resultado es bastante servicial y no se siente la larga duración, te mantiene interesado en una parte importante en la historia que se suele obviar a la hora de hablar del tema y resulta interesante, así de como la película te hace recordar que los nazis no eran unos monstruos malvados sino que eran humanos que fueron consumidos por el odio, y desgraciadamente no mucho ha cambiado.

Es inteligente que la película humanice a Herman Hoss, el sucesor de Adolf Hitler, quien muestra su simpatía y una buena familia, pero que por supuesto oculta un monstruo imperdonable interpretado por a momentos irreconocible Russell Crowe, quien se recupera tras una racha de malos papeles y quien esta acompañado por un entusiasmado Rami Malek, quien le pone bastante corazón en su actuación al psicólogo protagonista.

Vanderbilt no innova, está claro que su intención era ir a los Oscar, pero sorprendentemente entrega un trabajo tradicional pero servicial, gracias al manejo que tiene a la historia, los dilemas interesantes, el ritmo decente y sobre todo las grandes actuaciones, y además nos recuerda que solo porque los nazis perdieron, no significa que no pueda pasar otra vez o que ya de por sí no pase.

Nota: 7/10

• Historias del buen valle

Hablar de la nueva película de José Luis Guerin, la primera en 10 años de uno de los autores españoles más influyentes de la historia de nuestro cine junto a Victor Erice, no es sobre una película documental social, es hablar sobre un testimonio completamente humanista donde en la aparente sencillez de estas personas se encuentra la mayor profundidad.

Guerin funciona como un narrador fantasma, en la que utiliza su cámara como sus propios ojos a la hora de ser testigo de la naturaleza de este barrio y la muerte de ello debido a la modernización y a la industrialización, así de como las conversaciones con los habitantes del pueblo tanto jóvenes como viejos, que pueden derivar desde lo más simple y sencillo hasta llegar a comprender tantos las diferentes filosofías sociales y políticas que ellos tienen, así de como el inevitable paso del tiempo de los veteranos al igual que el tiempo que le quedarán a los más jóvenes por vivir a través del inevitable y hasta cierto punto trágico cambio.

Con un inicio magistral grabado en 16mm que transiciona mágicamente a la crudeza del digital, Guerin a través de entrevistas y de su propia visita crea una de los mayores testimonios poéticos que se han visto en esta última época cinematográfica, en una transición similar a la de la humilde gente de este barrio, a penas se puede comentar de ella, porque es una experiencia que hay que vivir, más que un documental, una visita totalmente reflexiva pero llena de un humanismo puro, tanto lo precioso como las inevitables dudas que llegan sobre el paso del tiempo.

No solo se apoya del dialogo a través de las entrevistas, Guerin una vez que los conoces, su cámara se siente más cercana a ellos y cada gesto y expresión importa al igual que sus tradiciones culturales, sus alegrías, penas, miedos y perdidas, las historias se unen en un fantástico desenlace que emociona tras haber conocido a todas estas personas y su constante aislación de una sociedad natural fascinante, paralelo a la actual urbanización.

Risas, lagrimas y reflexión, un acumulo de emociones en una película aparentemente simple y minimalista pero atrapante en su emoción y profundidad, un milagro cinematográfico a la par de la testimonial Cerrar los Ojos, que confirma a Guerin como una de las voces más importantes y sinceras de nuestro cine, de lejos la obra maestra del festival de San Sebastián y que os animamos a que asistáis al cine cuando se estrene en los cines españoles el próximo febrero para vivir esta emocionante visita.

Nota: 10/10

• ANATOMÍA DE UN INSTANTE (Fuera de concurso)

Alberto Rodríguez, el cineasta sevillano más importante en la actualidad volvió al festival con dos producciones: su nueva película “Los Tigres” que compitió en la sección oficial y gano a mejor fotografía y aparte, su nueva miniserie para Movistar+, la cuál narra los hechos históricos que llegaron a desencadenar el fallido golpe de estado del 23F.

Desde 35 milímetros no pudimos asistir al estreno de su nueva película pero si pudimos asistir al estreno oficial de su miniserie de 4 episodios, aunque he de aclarar que a pesar de su duración de 3 horas, no se siente como una película, cada capitulo cuenta una historia diferente de cada personaje histórico que tuvo una importante relevancia en el suceso.

Lo que más se puede destacar de la serie son las fantásticas actuaciones encabezada por un gran reparto pero en el que afortunadamente destacan dos de los protagonistas: Álvaro Morte cómo Adolfo Suárez es irreconocible, sabe darle el punto de humanidad al personaje y distanciamiento político y por supuesto el gran Manolo Solo es el mismo caso, sin duda el personaje más emocional que da vida al Guti, el militar que fue al contrario de los valores franquistas de los militares y se enfrento a ellos en la histórica imagen.

Más que una serie del 23F, es una serie sobre el proceso de la democracia en España y los conflictos políticos internos que se crearon, la decisión de ser políticamente neutra al no idealizar a sus héroes sino mostrándolo como seres humanos frágiles pero sin quitarles el mérito histórico es una apuesta valiente y que afortunadamente funciona, es muy buena para aprender historia de nuestro país y mantiene el interés.

Aunque hay que aclarar que se nota que es televisión por lo que la calidad cinematográfica no es comparable a los trabajos cinematográficos que el cineasta ya está acostumbrado a entregar y también la narración en muchos momentos se excede demasiado, claro que es importante dar el contexto histórico al espectador y al menos en el final lo justifican, pero a cierto punto llega a ser abrumador.

Aun así no es una serie perfecta pero sin duda es un testimonio muy interesante, original y hasta educativo con unas interpretaciones poderosas que te mantienen el interés, y también al menos está justificado que sea una serie por su estructura, a diferencia de otras miniseries que podrían haber sido montada como películas de 150 o 180 minutos o haber sido acortadas y no habría problema (La La La Canción). 

El ranking de los episodios en orden descendente sería este: 1,3,4,2

Nota: 6,5/10

• LOS DOMINGOS

Y nos despedimos del festival con la gran triunfadora del año, ganadora de tres premios incluido la prestigiosa Concha de Oro, la cineasta española Alauda Ruiz de Azúa demuestra que todavía tiene mucho más que contar y sobre todo talento tras su aclamado debut “Cinco lobitos”, sin duda actualmente una de las favoritas para la carrera de premios nacionales como los Goya del próximo año.

El tema que toca la cineasta a parte de ser complejo tampoco había sido tratado como tal en la sociedad española actual, la cuál estudios demuestran la decadencia de religión y fe entre los ciudadanos en estos tiempos.

No se trata de cine religiosos sino cine sobre fe, no es solo la historia de una niña que se quiere hacer monja y los conflictos que le llevan, sino de una adolescente quien va a alcanzar la adultez y ha crecido en una familia rota, así también como en un colegio muy religioso y ella sabe a quien es el único ser al que le puede mostrar amor y quien le puede hablar: Dios.

La historia es bastante melancólica no por los temas religiosos, de hecho Alauda muestra empatía hacia la niña, el convento y las monjas al igual que unos diálogos muy naturales sino por la inevitable ruptura familiar, donde nadie es capaz de comunicarse y esto se ve reflejado tanto en la dolorosa indiferencia del padre interpretado por Miguel Garcés como de la negación que tiene la tía interpretada por Patricia López Arnaiz.

El personaje de Arnaiz puede resultar repelente pero es muy probable que sea intencionado, su vida se va derrumbando mientras ella reniega del amor de su sobrina, no quiere dejarla ir ni perderla a ella también como está perdiendo a su familia, y al final ella acaba predicando sus ideales de la misma manera que ella duramente critica durante toda la película a los religiosos.

Fue inevitable pensar en Sacrificio (1986), la última obra maestra de Andrei Tarkovsky, y no es porque sean películas similares, su formalidad es muy diferente sino porque se reflexiona sobre la disposición a la entrega y el sacrificio por fe que la protagonista desde el principio cede, dejando caer ante los brazos de Dios.

Una de esas películas que creará discusiones y debates morales, seas religioso o ateo como es en el caso del servidor, no dejará indiferente pero no porque cree una polémica sino por la inteligencia y empatía que la directora demuestra en una obra con diálogos naturales y unas actuaciones poderosas. Una gran película e interesante ganadora con la que cerrar el festival.

Nota: 8,5/10