Del 6 al 14 de marzo del 2026, se ha celebrado la 29 edición del Festival de Málaga. Con una programación de 326 películas durante nueve días, el festival es sin duda el primer gran evento del cine español, donde se dan a conocer las nuevas propuestas que definirán el año. Los escritores Álvaro García-Baquero y Carlos Mera, han podido disfrutar de hasta unos 30 títulos seleccionados.
Este año destacan títulos como Iván & Hadoum, ganadora del Teddy en Berlín, o la gran triunfadora de esta edición, Ya no moriré de amor, entre muchos otros. También se ha rendido homenaje a figuras importantes como Rossy de Palma, Alauda Ruíz de Azua, Gastón Duprat y Mariano Cohn, Natalia Oreiro, Manuela Ocón y Victoria Vera.
Este artículo cubre la sección oficial, tanto en competición como fuera de concurso. Esta crónica se divide en dos partes: este artículo está dedicado a las películas de la Sección oficial, y luego teneis otro en el que hablamos sobre la secciones alternativas.
- Calle Málaga (Maryam Touzani — Marruecos / España / Francia / Bélgica / Alemania)
Un pelín repetitiva en su segundo acto, pero la película consigue ser muy emotiva y llena de momentos profundamente humanos que logran tocar al espectador. Visualmente es preciosa: cada encuadre, cada juego de luces y colores transmite sensibilidad y cuidado, haciendo que mirar la pantalla sea un verdadero placer.
Carmen Maura está fantástica, ofreciendo una interpretación llena de matices que da vida a un personaje tan único como encantador. Su presencia y carisma sostienen muchas de las escenas más memorables y aportan una autenticidad que eleva toda la película.
Como película inaugural, resulta bastante agradable: combina calidez, belleza visual y actuaciones destacadas, dejando una impresión positiva y envolvente que invita a disfrutar del cine sin complicaciones.
Nota: 6,5/10
Escrito por: Carlos Mera
- Altas capacidades (Víctor García León — España / Uruguay)
El guionista Borja Cobeaga y el cineasta Víctor García León, unen sus fuerzas para entregarnos esta incómoda comedia negra. La historia de unos padres que tratan de meter a su hijo problemático en una colegio privado, está lleno de una mordaz crítica social y muchísima incomodidad.
Esta pareja son el sueño frustrado de la clase media española que sueña con escalar, ya no solo económicamente, sino socialmente. García León opta por una dirección estática que consigue crear incomodidad debido a la imponencia de sus silencios. Ese silencio es lo que hace que las interacciones incómodas sean tan desternillantes como agobiantes.
Quien más se beneficiará de esto sería el excéntrico personaje de Juan Diego Botto, el cuál se siente inquietantemente real a pesar de su caricatura. Pero todo esto se aplica a todos los personajes que o bien se sienten cómodos o desean ser algo más que la mundana normalidad. Ellos desprecian a su entorno en una supuesta posición superior, cuando en realidad, son cucarachas tan pequeñas como el resto.
El humor incómodo funciona muy bien, y la sátira a la diferencia de clases es mordaz. Sin embargo, flaquea en su tramo final, donde se queda sin mucho que decir. Al final se siente cómo el remate de un chiste, en vez del cínico reflejo de la España moderna que estaba siendo. Aun así, una de las comedias más originales y divertidas del festival. Podría haber ido más lejos, pero no tiene miedo a ser incómoda y fría.
Nota: 6,5/10
Escrito por: Álvaro García-Baquero
- Corredora (Laura García Alonso — España)
Laura García Alonso en su ópera prima presenta una película con mucha personalidad y un estilo muy marcado y característico, hablando de varios temas muy interesantes y primordiales.
Ansiedad, estrés, autoexigencia y superación personal se entrelazan de manera profunda a lo largo de la película, dando forma a un relato intenso y emocionalmente cargado. Todo ello se desarrolla mediante una narrativa cuidada al detalle, que logra sumergir al espectador en cada conflicto interno y en cada momento de tensión.
Las interpretaciones, por su parte, son simplemente impresionantes: llenas de matices, autenticidad y fuerza, consiguen transmitir con gran realismo el peso de las emociones y la evolución de los personajes, haciendo que cada escena resulte impactante y memorable.
Nota: 7,5/10
Escrito por: Carlos Mera
- Hangar rojo (Juan Pablo Sallato — Chile / Argentina / Italia)
El debut de Juan Pablo Sallato es ambicioso. La dictadura militar chilena de Pinochet fue una de las más opresivas del siglo XX. Está la historia de uno del capitán Jorge Silva. La narración del golpe de estado a Chile, es contado con una humanidad muy creíble.
Las actuaciones son muy buenas, destacando principalmente al galardonado Nicolas Zarate. Todos los personajes que aparecen el relato son humanizados y necesarios. También ayuda el guión de Luis Emilio Guzmán, quién entrega unos diálogos muy trabajados y creíbles. Sin embargo, a pesar de las preciosas imágenes, la dirección de Sallato puede pecar de imperfecta debido a sus pretensiones. Algunos momentos intimistas funcionan muy bien, pero otros pecan de abusar del estilo tan cercano que quiere dar.
No revoluciona el género, pero es una película muy bien contada sobre un momento importante. Tiene pulso, tensión y sobre todo humanidad. Ojalá que la victoria en Málaga sea la puerta de bienvenida, para que el público español pueda disfrutarla en salas de cine.
Nota: 7/10
Escrito por: Álvaro García-Baquero
- Día de caza (Fuera de concurso) (Pedro Aguilera — España / Francia)
‘La caza‘ (1966), de Carlos Saura, tuvo un significado muy importante en el contexto de la España franquista. Más allá de su historia aparentemente sencilla sobre unos hombres que salen a cazar, la película funcionó como una crítica simbólica a la violencia, la represión y las heridas aún abiertas de la Guerra Civil. Por eso se convirtió en una obra clave del cine español, marcando un antes y un después en la forma de abordar temas políticos y sociales en plena dictadura.
Aunque tiene elementos bastante destacables (especialmente el trabajo de las actrices, que resulta muy sólido y lleno de matices, y una banda sonora realmente fantástica que acompaña bien las emociones), la sensación general es que le falta algo más de fuerza e intensidad en el desarrollo de la historia.
Hay momentos que apuntan alto, pero no terminan de explotar todo su potencial, dejando una impresión algo tibia, como si se quedara a medio camino de lo que podría haber sido. Quizá el mayor problema es que la narrativa no logra mantener una tensión constante ni profundizar lo suficiente en los conflictos, lo que hace que el impacto emocional no sea tan potente como cabría esperar.
Aun así, se agradecen los aciertos y los detalles cuidados, que demuestran que había una buena base sobre la que construir algo más contundente. Al acabar de verla solo tiene una pregunta: ¿Y qué habría opinado Carlos Saura?
Nota: 4/10
Escrito por: Carlos Mera
- 9 lunas (Fuera de concurso) (Patricia Ortega — España / Bélgica)
Sencilla y con una narrativa muy simple, pero es tan bonita, tan humana, tan divertida y tan emotiva que a mí me ha robado el corazón.
Tiene esa capacidad especial de conectar desde lo cotidiano, sin necesidad de grandes giros ni artificios, apoyándose en pequeños momentos que, poco a poco, van construyendo algo muy auténtico y cercano. Además, gran parte de su encanto reside en el excelente trabajo del reparto. Las interpretaciones son naturales, increíbles y llenas de sensibilidad, consiguiendo que los personajes se sientan reales y fáciles de querer.
Hay una química muy especial entre ellos que hace que todo fluya con mucha naturalidad, reforzando aún más el tono cálido y emotivo de la historia. En conjunto, es una obra que, sin hacer mucho ruido, termina dejando una huella muy bonita.
Nota: 8/10
Escrito por: Carlos Mera
- Neurótica Anónima (Jorge Perugorría — México / Cuba)
Aprecio el amor que desprende por el cine, y se nota claramente que es una obra hecha con mucho cariño y respeto por el medio. Hay una intención sincera detrás de cada decisión, y en ciertos momentos se percibe ese entusiasmo por contar una historia desde lo emocional y lo personal.
Sin embargo, en su conjunto no termina de funcionar del todo bien. La narrativa resulta algo pobre y poco elaborada, lo que dificulta que la historia avance con la fuerza o el interés necesarios. Además, los sentimientos que intenta transmitir no llegan a conectar plenamente, quedándose en la superficie y sin lograr ese impacto emocional que pretende.
Esto hace que, a pesar de sus buenas intenciones y de algunos destellos interesantes, la película no alcance todo el potencial que parecía prometer.
Nota: 4/10
Escrito por: Carlos Mera
- Mi querida señorita (Fernando González Molina — España)
‘Mi querida señorita’ , dirigida por Jaime de Armiñán, fue una película muy significativa en la España de finales del franquismo por su valentía al tratar temas poco habituales en ese momento.
La película resultó muy innovadora porque abordaba cuestiones como la identidad de género, la sexualidad y las normas sociales en una sociedad profundamente conservadora. Todo ello se presenta de forma sensible y humana, evitando el sensacionalismo. Por eso se considera una obra adelantada a su tiempo y un referente del cine español más crítico y social.
Y ahora tantos años después este nuevo remake vuelve a ser una película profundamente humana, llena de ideas interesantes, necesarias y en muchas ocasiones trabajadas con humor y personajes tan característicos como encantadores. Se consigue conectar con la historia y con toda la situación, haciendo que la película sea una viaje único y de lo más destacable. Una joyita maravillosa.
Nota: 8/10
Escrito por: Carlos Mera
- El guardián (Nuria Ibáñez — México / España)
La cineasta española Nuria Ibáñez nos presenta a Basilio, uno de los personajes más humanos del festival. Él es un solitario guarda en la costa, cuyo único propósito es hacer bien su trabajo. Él es una de esas personas extrañas, misteriosas y atípicas que te puedes encontrar en la calle.
En el mismo rumbo que ‘Perfect Days’, aunque más triste, la cineasta se encargará de que sientas la rutina de este guarda de costa, y lo más importante, que lo entiendas. Cada interacción que tiene con los pocos personajes que se cruzan están llenas de verdad. No necesita una razón para cobrar, socializar o amar, solo le basta con hacer su trabajo para justificar su existencia en tierra de nadie.
El escenario natural es clave para la narración solitaria e íntima. Es capaz de conseguir el milagro de conocer y emocionarnos con una persona tan interiorizada, y a quién no le queda más remedio que ser sumiso a la hora de su explotación y humillación. Pero esto no hace que se derrumbe, al final tal vez ya esté muerto, sin un público a quién cantarle sus penas y amores.
Un filme tan melancólico como bello e inmersivo. Ibáñez respeta al espectador y sobre todo al personaje, mediante una sutileza que engancha y no cae en las emociones obvias. Un fascinante y conmovedor relato tan naturalista cómo emocionante.
Nota: 7,5/10
Escrito por: Álvaro García-Baquero
- Hugo 24 (Fuera de concurso) (Luc Knowles — España)
La nueva película de Luc Knowles trás ‘Libélulas‘ es un relato estilizado cuya fuerza cae en la humanidad de sus personajes. Se espera en todo momento que se torne en un thriller quinqui, pero sorprendentemente se mantiene hasta el final como un drama social.
Peca de una sobre estilización, y un montaje demasiado intenso con sus imágenes crudas en varios momentos. Sin embargo afortunadamente, estos imperfectos personajes cargan con la fuerza de la historia. Aaron Piper y Mario Cáceres sorprenden con su química creíble en pantalla como el dúo protagonista, al igual que Marta Etura con una actuación muy buena.
Knowles tal vez recurra a varios clichés del género, pero también entiende a sus personajes. Estos delincuentes callejeros, sobre todo Hugo, se mueven por supervivencia y caos más que por maldad. Hugo quiere ser mejor persona de la que es, aún sí lo da todo por sus seres queridos.
Una pequeña película tan intensa como creíble. Tal vez se abusé de imágenes crudas en varios momentos y algunos clichés sociales. Pero, los personajes son lo suficientemente creíbles y humanizados como para aguantar el relato.
Nota: 6/10
Escrito por: Álvaro García-Baquero
- Laponia (David Serrano — España)
David Serrano es uno de los directores españoles más experimentados, al moverse constantemente en teatro y cine, al igual que en diversos géneros como son la comedia, el drama y el músical. En este caso adapta una exitosa obra de teatro a la gran pantalla.
Para ser su siguiente película tras la maravillosa ‘Voy a Pasarmelo Bien‘, se siente un poco plana cinematográficamente. Tampoco ayuda el uso excesivo de la música, la cual no se siente consistente con el tono del texto. Al ser una adaptación teatral, depende mucho en el texto y las actuaciones. ¿Son lo suficientemente buenos como para mantener el interés en la historia? La respuesta es sí.
El guión, el cuál se nota muy fiel a la obra original, plantea varios dilemas interesantes entre sus personajes. Los choques culturales entre las dos parejas paternas, cuestiona la moralidad de la mentira a favor de la inocencia o simplemente la verdad. Es inteligente el escenario navideño en esta ocasión para hacer una reflexión cómica y dramática sobre el ego, la paternidad, la inocencia y hasta incluso, la identidad española.
Se hubiera agradecido una puesta en escena más cinematográfica a la par de otras adaptaciones teatrales o incluso películas del cineasta. A pesar de ello, consigue mantener el interés debido a la inteligencia de su texto y el trato de los personajes. No sorprende entonces, porque la obra original fue un éxito.
Nota: 6/10
Escrito por: Álvaro García-Baquero
- Los Justos (Fuera de concurso) (Jorge A. Lara, Fer Pérez — España)
La idea de hacer una comedia judicial revirtiendo la fórmula de ‘12 hombres sin piedad‘ es arriesgada. Aquí no se trata de la justicia, sino de cómo estas personas se corrompen ante el soborno, a cambio de liberar a un político corrupto.
Los debutantes Jorge A. Lara y Fer Pérez, ofrecen un concepto y una puesta en escena interesantes. Sin embargo lo mismo no se puede decir del guión. Esta comedia negra ha hecho reír al festival, pero en esta ocasión, no hemos podido conectar con ella. Los gags y diálogos con partidas interesantes, son muy obvios o ya de por sí, planos.
Los personajes se corrompen de una manera muy rápida y poco creíble, o ya de por sí, se vuelve molestos. Da pena cómo es que grandes actores como Vito Sanz o Aimar Vega, son rebajados a ser lo más irritantes posibles.
La reflexión que ofrece sobre lo fácilmente corrompible que es la sociedad española, tiene mucha verdad, pero también se siente una oportunidad perdida. Una de las decepciones más molestas, dolorosas y personales del festival.
Nota: 4/10
Escrito por: Álvaro García-Baquero
- Mil Pedazos (Sergio Castro-San Martín — Chile / España / Argentina)
Una de las películas más intensas del festival. El cineasta chileno Sergio Castro-San Martín, ofrece un drama familiar muy original, estructurado en tres partes.
La primera, es vista a través de los ojos de inocencia de una niña mediante una cámara digital. Un viaje familiar que se siente como intento de salvar la ruptura, sin que está se de cuenta. La segunda, es el padre afrontando una tragedia. Él carga con la culpa y se hace uno con la desoladora naturaleza, la cual se siente como un personaje opresor de la cinta. La tercera parte, es la madre tratando de salvar la tragedia, y rescatar lo que ya está muerto.
Con un tono de thriller inquietante, este es un curioso drama intimista sobre el dolor y la tragedia. Cada uno de estos personajes, la afronta de manera diferente. La naturaleza define ese sentimiento de melancolía, muerte e identidad humana, que cada miembro de la familia cargá.
El cineasta chileno consigue mezclar varios tonos, y crear una narración consistente y sútil. Sí que es cierto que la última parte pierde interés al decidir ir por una narración más tradicional, pero actúa como una conclusión satisfactoria al relato. Una de las películas más complicadas y efectivas del festival.
Nota: 7/10
Escrito por: Álvaro García-Baquero
- Mala Bestia (Bàrbara Farré— España)
El debut de Bárbara Farré ha sido uno de las películas más polarizadoras en el festival, y esto tal vez vaya a su favor. Es un coming of age, cuya narrativa se basa más en las emociones y psicología del personaje, más que en una tradicional.
Este cuento sobre una adolescente huérfana adoptada por una pareja extraña, es tan atípico como curioso. El personaje de la reveladora Maria Schwinning, está tratado de una manera tan empática como íntima. Es a través de este relato lleno de metáforas en el que se estudian las profundas dudas que esta adolescente tiene, de manera sútil y lírica.
Las dudas sobre la infancia perdida, el deseo del amor, la identidad sexual y la temprana madurez, es tratado con una emocionalidad juvenil pero compleja. Estos diversos temas son efectivos y se sienten completos debido a la narrativa empática del filme. Estos dilemas se ve sobre todo representados en la relación que tiene la protagonista con su madre adoptiva. Es a partir de ahí que se puede observar, la curiosidad, atracción, envidia y por último, afecto maternal.
Una obra lírica y emocionalmente compleja que no ha dejado a nadie indiferente en el festival. Bàrbara Farré debuta con uno de los primeros filmes españoles más originales y valientes en los últimos años. Una compresión a la complejidad humana y emocional de la adolescencia e identidad. He aquí uno de los personajes más emocionantes del festival junto a Basilio de ‘El Guardián‘. Y esto es lo que la hace, en nuestra opinión personal, la mejor película de la sección oficial.
Nota: 8/10
Escrito por: Álvaro García-Baquero
- Ivan & Hadoum (Ian de la Rosa — España / Alemania / Bélgica)
Sinceramente, es una película muy sencilla, que no reinventa nada ni pretende ofrecer grandes novedades o elementos particularmente destacables. Sin embargo, su encanto reside precisamente en su simplicidad: tiene una dulzura y una calidez que hacen que resulte agradable de ver.
La relación entre los protagonistas es auténtica, cercana y sincera, transmitiendo emociones que se sienten reales y humanas. En general, la historia es fácil de seguir y conectar con ella, gracias a esa honestidad en la narración y a los momentos cotidianos que reflejan la vida con naturalidad.
Aunque no sorprenda ni rompa moldes, logra dejar una impresión agradable, gracias a su sensibilidad y a la química entre los personajes, haciendo que el espectador se involucre y disfrute de manera tranquila y emocional.
Nota: 7/10
Escrito por: Carlos Mera
- Juana (Daniel Giménez Cacho — México)
Tiene una dirección y unas ideas de puesta en escena realmente interesantes y sorprendentes; se nota que hay un trabajo creativo muy cuidado detrás de cada plano y cada recurso visual. Hay momentos que sorprenden por su originalidad y por la forma en que buscan transmitir sensaciones, mostrando un cine con personalidad y ambición.
Sin embargo, durante casi todo su metraje la película se vuelve algo repetitiva, y cuesta conectar plenamente con la historia. Narrativamente, no logra mantener de manera constante la fuerza que prometen sus primeros compases, lo que hace que el impacto emocional se diluya en ciertos pasajes.
Y lo que sí destaca de manera indiscutible es la actuación de Diana Sedano: es absolutamente increíble. Su interpretación llena de matices, autenticidad y presencia logra sostener la película en los momentos más débiles y convierte cada escena en algo memorable.
Nota: 4/10
Escrito por: Carlos Mera
- Un hijo (Fuera de concurso) (Nacho La Casa — España / Portugal)
El debut en la dirección de acción real del productor Nacho La Casa, cuenta una historia dura, pero tierna. Las intenciones del filme son claras desde el principio. Es una de esas películas hechas para poner en colegios y a niños con problemas familiares.
Se nota un corazón hacia la historia en la cinta, debido al tono y las actuaciones efectivas de Hugo Silva y Jesús Carroza, así cómo las emocionalmente comprometidas Macarena García y el debutante Ian Cortegoso. No obstante, la visibilidad de sus intenciones es cuando se le pueden delatar sus métodos emocionales.
He de ahí, que es inevitable que se sienta manipulador durante gran parte del filme. Recurre a varios clichés ‘feel-good‘ o dramáticos que no hacen el máximo esfuerzo por esconder. Esto también hace que la cinta haga uso de estereotipos divergentes y hasta étnicos, para dejar claro sus intenciones emocionales. El bochornoso clímax final es el ejemplo perfecto de ello, y tratan de hacer un giro dramático sorprendente que uno ya puede adivinar desde el principio.
El libro tiene una estructura mucho más interesante, al narrar la historia con puntos de vistas diferentes, y con un tono más adulto. El tono pomposo hace que el filme sea inocente, pero también emocionalmente manipulador con el espectador.
Nota: 5/10
Escrito por: Álvaro García-Baquero
- El jardín que soñamos (Joaquín del Paso — México)
La película ganadora de la Biznaga de Oro a la Mejor Película Iberoamericana, es un emocional drama familiar reflexivo con nuestra relación con la naturaleza.
Joaquín del Paso ofrece una dirección naturalista e inmersiva, para representar estos bosques. Esta familia haití, es la representación de la propia naturaleza, y cómo es que el hombre la explota. Los deforestadores se aprovechan de esta familia con promesas vacías, mientras estos sufren.
La superioridad del hombre frente a la gran naturaleza se siente colosal y triste, a la vez. Cada miembro familiar se siente real y humano, te permite entender el amor mutuo que ahí, antes del gran conflicto. Estos son afectados por la intervención del hombre en la naturaleza.
Sí que es verdad que el CGI no es tan bueno como la fotografía, y que el antagonista peca de poca sutileza, pero eso no le quita fuerza al relato. Sensible, poético y natural drama familiar que conmueve y deja una interesante reflexión al ser humano. Una denuncia social, natural y migratoria, tan bella como emocionante.
Nota: 7/10
Escrito por: Álvaro García-Baquero
- Yo no moriré de amor (Marta Matute — España)
Y terminamos como no, con la gran triunfadora de esta edición. El debut de Marta Matute ha emocionado por su retrato del afrontamiento familiar frente a una enfermedad. Esta es una familia rota, que no tiene más remedio que unirse, al haberle diagnosticado Alzheimer a la distante y fría madre.
Se nota el lado personal que esta historia tiene para la cineasta debutante. Sí hay algo que se le puede dar crédito, es que no recurre de diálogos explicativos ni explosiones emocionales para explicar la tragedia. Se nota un buen uso de los silencios y una sabia dirección de actores. La composición, ritmo pausado y actuaciones íntimas y naturalistas, son lo que sostiene la película.
Sin embargo, el guión de Matute, aunque sensible, peca del abuso de tópicos del género. Los personajes, aunque bien interpretados, se sienten muy arquetípicos. Sigue al pie de la letra, muchos clichés y recursos narrativos del cine español moderno. Por lo tanto, uno puede averiguar desde que empieza la película, como esta se va a desarrollar, los conflictos que tienen y obviamente, el cómo acaba.
No se siente que has pasado años con una familia real, y tan complejamente rota como en ‘Los Domingos‘, sino con retratos sociales que ya has conocido previamente. Es una pena que el guión predecible y los personajes seguros sin riesgos, le quiten fuerza a un debut realizado con mucho talento y delicadeza. Es entendible el porqué ha conmovido tanto en el festival, tal vez para muchos no es lo que cuenta sino el cómo.
Nota: 6/10
Escrito por: Álvaro García-Baquero
